Eraste Muthangi est un peintre congolais né à 1997 à Goma/Nord-kivu, ma création s’ancre dans les réalités profondes de l’Est de la République Démocratique du Congo. Mon Oeuvre est une fusion entre mémoire, résilience et innovation plastique, où chaque tableau devient un espace de dialogue entre douleur vécue et espoir projeté.
Une créativité nourrie par l’expérience et la mémoire
Je transforme les traumatismes collectifs en langage visuel, en abordant des thèmes universels : le dernier souffle, le sacrifice, la dignité humaine, la quête de paix.
Ma force créative réside dans ma capacité à sublimer la souffrance en beauté, à faire de l’art un outil de résistance et de reconstruction identitaire.
Je ne me limite pas à la peinture traditionnelle : J’invente un style hybride, le
“Kapwethe Style”, qui combine pyrogravure, brou de noix, incrustations, résine, relief et acrylique sur bois de réemploi. Cette approche démontre une audace expérimentale et une volonté de repousser les frontières techniques.
Dans mes ateliers, j’explique aux jeunes artistes que chaque matériau porte une mémoire : le bois recyclé raconte une histoire de renaissance, la pyrogravure inscrit la trace du feu comme métaphore de purification, et l’acrylique ouvre la voie vers la modernité.
L’art comme acte de dénonciation et de résilience
Mes œuvres ne sont pas seulement esthétiques : elles portent une charge politique et sociale, dénonçant les injustices, les massacres et l’imposture des pouvoirs.
Chaque pièce est une mémoire visuelle, un témoignage des réalités silencieuses du Kivu, mais aussi une invitation à l’espoir et à la construction d’un paradis personnel malgré l’adversité.
Dans mes expositions, j’aime dialoguer avec le public, expliquant que l’art n’est pas une fuite, mais une manière de regarder la douleur en face et de la transformer en énergie créatrice.
Une démarche tournée vers la transmission
Passeur de mémoire et de savoirs : Je ne crée pas uniquement pour moi-même. Je me positionne comme un acteur de transmission, impliquant les jeunes générations dans mes résidences et ateliers, afin de partager mon expérience et d’ancrer l’art dans une dynamique collective.
Créativité enracinée et ouverte : Ma pratique relie les techniques traditionnelles et ancestrales, notamment la pyrogravure, aux pratiques contemporaines. Ce dialogue entre héritage et innovation me permet de donner une nouvelle vitalité aux savoir-faire tout en affirmant une signature artistique singulière.
Dans mon rôle pédagogique, j’insiste sur le fait que l’art est une école de vie : apprendre à observer, à écouter, à transformer les blessures en force. Mes ateliers deviennent des espaces où l’on apprend autant à créer qu’à réfléchir sur le sens de l’existence.
Singularité créative
Ce qui me distingue, c’est ma capacité à :
• Transformer des matériaux modestes (bois de récupération, brou de noix, pyrogravure) en supports puissants de mémoire.
• Créer des œuvres qui sont à la fois installations monumentales et tableaux intimistes, toujours porteurs d’un récit.
• Développer une signature visuelle reconnaissable, où la matière brute devient poésie et où chaque trace pyrogravée raconte une histoire.
• Faire de mon art une pédagogie sensible, où chaque œuvre devient une leçon de résilience et une invitation à construire un avenir plus humain.
